Im fortlaufenden Projekt Pocket entsteht ein Archiv von Handyfotos, die alltägliche Momente und Details festhalten, um wahrzunehmen und zu teilen, was uns alle verbindet. Seine erste Ausgabe, Pocket #1 wird in Zusammenarbeit mit Room for Doubt präsentiert. Menschen waren eingeladen, das zu teilen, was sie als schön empfinden. Die aus fast zweihundert Einsendungen ausgewählten Bilder spiegeln den Lebenszyklus und gewöhnliche Momente wider und fangen dabei sowohl Schönheit als auch den natürlichen Fluss des Daseins ein. Diese Sammlung bietet einen Raum für Erdung und Reflexion inmitten von Chaos, erkundet geteilte menschliche Erfahrungen und feiert die stille Essenz des Lebens, wodurch das Mobiltelefon von einem Gerät, das oftmals Krisen dokumentiert, zu einem Werkzeug wird, das die Resilienz stärkt.

Brasilien ist der Inbegriff des Rechtspopulismus. Unter Jair Bolsonaro stiegen die queerfeindlichen Angriffe um 80 Prozent, während 34.000 Quadratkilometer des Amazonasgebietes verbrannten. Heute ist es das tödlichste Land der Welt für queere Menschen, denn die Hälfte aller LGBTQIA+-Morde ereignen sich dort.

Tenha Orgulho ist ein Archiv queerer Realitäten und gefährdeter Landschaften aus der Regierungszeit Bolsonaros. Durch eindringliche Porträts und hypnotisierende Blumenstillleben werden die Verflechtungen zwischen der Unterdrückung von Homosexualität und der Ausbeutung der Umwelt aufgezeigt – beide wurzeln in kolonialer und patriarchaler Gewalt.

Die Fotografin lehnt die Stereotypen von Latino-Queerness ab – übersexualisierte Körper, fetischisierte Prostitution, schmutzige Lebensstile – und fragte jede Person, wie sie gerne porträtiert werden möchte, von den Elendsvierteln Rios bis zu den schicksten Vierteln São Paulos. Tenha Orgulho heißt übersetzt ‚stolz sein‘.

Das Multimediaprojekt umfasst Tonaufnahmen, einen Super-8-Film und die Zusammenarbeit mit Kunsthandwerker*innen, die Transparente mit von der LGBTQIA+-Community ausgewählten Sprüchen bemalten. Tenha Orgulho porträtiert eine Gemeinschaft, die sowohl entwaffnet als auch entwaffnend ist.

In der Ausstellung zeigt der Fotograf Yero Adugna Eticha Auszüge aus seinem Großprojekt Black in Berlin 2020–2024. Über Jahre hinweg fotografierte er in seinem Fotoatelier in Berlin-Moabit hunderte Porträts von Afro-Schwarzen Deutschen.

Für den Fotografen begann alles mit den Protesten gegen die Morde an Breonna Taylor und George Floyd und der daraus erstarkten Black-Lives-Matter-Bewegung im Jahr 2020. Weltweit kam es zu Demonstrationen gegen Rassismus und Diskriminierung sowie Solidaritätsbekundungen. Adugna Eticha beschließt aktiv zu werden. In den Straßen Berlins verteilt er Flugblätter an Schwarze Menschen mit dem Aufruf, sich von ihm fotografieren zu lassen. Im Laufe der Jahre entstanden so 570 Porträts von Afro-Schwarzen Deutschen und der afrikanischen Diaspora in Berlin. Dabei arbeitet Adugna Eticha transdisziplinär auf den Ebenen von Bild und Ton.

Mit Black in Berlin ist ein einzigartiges Archiv entstanden, das einen Einblick in die facettenreichen Lebenswirklichkeiten Schwarzer Menschen in einer weißen Mehrheitsgesellschaft gibt. „Wer wir sind: Ein fester Bestandteil dieser Stadt, Menschen unterschiedlicher Professionen und Hintergründe, verschiedener Träume, Verkörperungen Schwarzer Identität. Ich träume von einem Berlin, in dem die Facette eines jeden Schwarzen Gesichts gefeiert wird.“ (Yero Adugna Eticha)

Nikita Teryoshin blickt mit seiner Serie Nothing Personal hinter die Kulissen des globalen Rüstungsgeschäfts. Sie enthüllt das ‚Backoffice des Krieges‘ als einen überdimensionalen Spielplatz für Erwachsene mit Wein, Fingerfood und glänzenden Waffen. Die Bilder, aufgenommen auf internationalen Waffenmessen weltweit (2016–2024), verweisen auf die konkret Handelnden, ohne sie individuell sichtbar zu machen. Das Kriegsgeschehen wird vor hochrangigen Gästen, Staatsoberhäuptern, Generälen und Kaufleuten inszeniert. Tote Körper sind hier Schaufensterpuppen oder Pixel auf den Bildschirmen. Nothing Personal erzählt mit seinen Fotografien vom beunruhigend unpersönlichen Geschäft mit dem Krieg, häufig als ‚engineering a better tomorrow‘ verkauft. Die serielle Arbeit (Prints und Fotobuch) von Nikita Teryoshin lässt die Betrachtenden schmerzhaft spüren: Diese Konsumtempel des Militärischen dienen dem Ziel, für eine mögliche reale Auseinandersetzung mit mörderischen Waffen gerüstet zu sein und Vernichtung vorzubereiten. Sie bedrohen das friedliche Miteinander zwischen Nationen, Regionen, Menschen auf unserem Planeten.

Seit mehreren Jahren überqueren Menschen auf der Flucht die Meerenge im Mittelmeer zwischen Libyen und Italien, oft in seeuntüchtigen Schiffen. Die Überfahrt ist länger und gefährlicher als die neueren Übergänge, etwa zwischen der Türkei und Griechenland. Nach Angaben des UN-Flüchtlingshilfswerks sind im Jahr 2023 mehr als 2500 Menschen bei dem Versuch, das Mittelmeer nach Europa zu überqueren, gestorben oder verschollen. Im gleichen Zeitraum sind etwa 186 000 Menschen in europäischen Ländern angekommen. Das ist eine beträchtliche Zahl, aber weit weniger als in den letzten Jahren, insbesondere zwischen 2014 und 2017.

Der Fotojournalist Arez Ghaderi, 1987 in Sanandaj, einer kurdischen Provinz im Iran geboren, lebte in seinem ersten Jahr in Deutschland selbst in mehreren Geflüchtetenlagern. Dort hörte er die faszinierenden Geschichten der Menschen, die nach Deutschland geflohen waren. Im Dezember 2022 hatte er dann die Gelegenheit, Flüchtende auf ihrem Weg nach Europa zu fotografieren. Er beteiligte sich an der Seenotrettungsmission der Organisation SOS Humanity im zentralen Mittelmeer. Seine Bilder erzählen die Geschichten der Geflüchteten weiter.

Vor dem Hintergrund aktueller Krisen und Konflikte weltweit, Debatten um Europa und die zunehmenden rechtspopulistischen Bewegungen ist es wichtig an die deutsche Geschichte zu erinnern und den Blick auf die Zeit vor und nach der Wende zu lenken.

Die in Berlin lebende schwedische Fotojournalistin Ann-Christine Jansson dokumentiert seit Jahrzehnten einfühlsam die Umbrüche der früher geteilten und wiedervereinigten Stadt und ihrer Menschen, die auf beiden Seiten der Mauer für gesellschaftliche Veränderungen kämpften und die historischen Ereignisse bewirkt haben.

„Ich versuche, die deutsch-deutsche Geschichte zu erzählen, indem ich Nähe herstelle zu den Menschen.“ Janssons Fokus liegt auf den Gefühlen der Porträtierten. Ihre Fotografien zeigen Angst, Wut, Mut, Verzweiflung, Freude, Skepsis und Hoffnung. Der subjektive Blick der Fotografin lässt den Zeitgeist jener Jahre in ihren Fotos lebendig werden, eine ZEITREISE, die Impulse setzen kann für Verständigung, Austausch und Dialog.

Die Ausstellung Ein Dorf 1950–2022 ist ein Langzeitprojekt von drei Fotograf*innen und gleichzeitig eine Familiengeschichte, in der auf besondere Weise Aspekte von Zeit und Wandel deutlich werden. Das Projekt hat seinen Ursprung in Berka in Thüringen und weist doch weit über die Grenzen dieses Dorfes hinaus. In den 1950er und 1960er Jahren arbeitete Ludwig Schirmer, der Vater von Ute Mahler, als Müllermeister in Berka, aber die Fotografie war seine große Leidenschaft. Einige Jahre nach Ende des Zweiten Weltkrieges begann er, den Alltag, die Feste und sein Leben im Dorf zu dokumentieren. Ohne die Bilder seines Schwiegervaters zu kennen, entschloss sich Werner Mahler 1977, seine Diplomarbeit an der Leipziger Hochschule für Grafik und Buchkunst in Berka zu fotografieren. 1998 bat ihn das Magazin Der Stern um eine Aktualisierung seiner Arbeit, die die Veränderung nach dem Mauerfall zeigen sollte. Die vierte Werkgruppe, die von Ute Mahler 2021/22 in Berka fotografiert wurde, kann als familiärer Nachfolger der drei anderen fotografischen Projekte angesehen werden und ist gleichzeitig ein eigenständiger Blick.

Die Fotografien zeigen einen Ort über den Zeitraum von 70 Jahren hinweg. Sie stellen Fragen nach Kontinuitäten und Veränderungen, nach Heimat, Kindheit, nach Wegziehen und Zurückkommen, nach Alt und Neu, nach Bekanntem und Unbekanntem.

Evelyn Bencicova (*1992) ist eine zeitgenössische, multidisziplinäre Künstlerin, deren Arbeiten sich an der Schnittstelle von Fotografie, Video und virtueller Realität bewegen. Sie behandeln zentrale Themen wie Identität, Erinnerung sowie die komplexe Wechselbeziehung zwischen Individuum und Gesellschaft mit visueller Präzision.

Durch ihre einzigartige Bildsprache und den Einsatz überwiegend kühler Farbtöne erschafft sie eine Atmosphäre der Kälte und Isolation. Diese Ästhetik verleiht ihren Werken eine bewusst inszenierte, beinahe surreale Wirkung, die die Themen von Künstlichkeit und Distanz eindringlich betont.

In der Serie Asymptote aus dem Jahr 2016, die nun erstmals in Deutschland gezeigt wird, thematisiert sie die Entfremdung des Individuums in einer Welt der Überwachung und Kontrolle. Sie erforscht die Architektur der kommunistischen Ära und ihre Verbindung zur Ideologie des Regimes. Asymptote ist eine tiefgründige Reflexion über die Uniformität der modernen Gesellschaft und das Verlangen nach Individualität.

Eine Einzelausstellung mit ihren Werken, die in Zusammenarbeit mit der Stiftung Reinbeckhallen gezeigt wird, tritt in Dialog mit der Ausstellung Asymptote.

24 Fotografinnen des Kollektivs Herspective Photographers betrachten den Zwischenraum: Bei einem Passiermanöver in der Schifffahrt wird der erforderliche Abstand passing distance genannt. Welche Distanz ist zu welchem Zeitpunkt erforderlich, um eine sichere Vorbeifahrt zu gewährleisten? Es braucht Konzentration, Kommunikation, Vertrauen und Verlässlichkeit um Abstände einzuhalten. Wenn das Recht der Stärkeren gilt, ist eine Kollision möglich, Reibung, Energie und Spannung treten auf. Die Ausstellung fragt: Was bedeutet der Zwischenraum im fotografischen Diskurs? Wird er enger, weil jede Position Ansprüche hat? Was geschieht, wenn er sich so sehr ausdehnt, dass die gemeinsame Verbindung abbricht?

Das ehemalige Einkaufszentrum im Herzen Neuköllns bietet als Ausstellungsort eine spannende Kulisse. Vor seiner heutigen Nutzung für verschiedene Veranstaltungsformate diente es als Unterkunft für Geflüchtete. Auf vielen Ebenen sind gelebte Geschichten von Raum, Schicksalen, Hoffnung und Kampf mit dem Raum verwoben.

Herspective Photographers ist ein Zusammenschluss von Fotografinnen, um durch gezielte kulturelle Aktionen wirksam zu sein. Unterstützung, Sichtbarkeit und Handlungsspielraum für jede Einzelne sind die erklärten Ziele.

Der Umgang mit Geschichte, ihre Bedeutung für die Gegenwart und die damit verbundene Relevanz fotografischer Bilder spielen in den Arbeiten von Luise Schröder eine zentrale Rolle. Ausgehend von ihrer ostdeutschen Herkunft beschäftigt sich die Künstlerin seit 2021 inhaltlich und ästhetisch mit den oft vergessenen Aktivitäten von nichtstaatlichen Frauen-und Lesbengruppen in der DDR während der 1980er und 1990er Jahre. Sie befragt sowohl die Widerstandsbewegungen als auch die Transformationserfahrungen dieser Gruppen und beleuchtet die Rolle von Archiven in Prozessen des Erinnerns und Vergessens. Ihr neu erschienenes Künstlerinnenbuch Strömungen in Bewegung dient als Grundlage für eine fotografische Installation, die sie im Rahmen des EMOP Berlin 2025 präsentiert. Indem Luise Schröder Teile der Publikation, spezifische Methoden künstlerischer Forschung sowie Rechercheprozesse visuell in den Raum übersetzt, thematisiert sie das Verhältnis von Geschichte und Gegenwart, von Wahrheit und Fiktion, von Selbstermächtigung und Widerstand im Hinblick auf eine ostdeutsche Frauen*geschichtsschreibung. Luise Schröder ist Stipendiatin des Berliner Programms Künstlerische Forschung 2024/25.

Der 1992 in Kolumbien geborene und derzeit in Paris lebende Künstler Felipe Romero Beltrán beschäftigt sich in seinen fotografischen Langzeitprojekten mit diversen Aspekten des größeren Themenkomplexes Migration und deren Schauplätzen. Mit einem kritischen und empathischen Blick schaut er auf soziale, kulturelle und politische Fragen und Probleme, die sowohl deren Ursachen als auch Auswirkungen auf die Realitäten seiner Protagonist*innen beleuchten. Dabei nutzt er diverse Strategien des Dokumentarischen, arbeitet mit Film, Installation und Text, sowie intensiver Recherche und lässt die Betroffenen so zu Wort kommen. Die Spannungen in seinen Arbeiten reflektieren die sozialen Zu- (und Miss-)stände, die er mitunter an den Grenzen zwischen Mexiko und den USA oder Marokko und Spanien beobachtet und mit denen sehr reale gesellschaftliche Phänomene wie Entfremdung, Heimweh, soziale Ungleichheit, politische Ungerechtigkeit, aber auch Zusammenhalt und Familie assoziiert sind.

Anfang der 1980er Jahre, Prag fühlt sich nach dem Niederschlag des Prager Frühlings grau und entmenschlicht an. Die bunte, fröhliche Gemeinschaft der T-Club-Bar ist nur eine Tür weiter. Die Welt, in der ‚schwul‘ zu sein Stigmatisierung und offene Feindseligkeit bedeutet, bleibt vor der Tür. Hier ist man zu Hause, unter sich, in einer neu geschaffenen Familie, die man selbst gewählt hat. Die Ausstellung zeigt 40 Fotos aus dem legendären T-Club, die Libuše Jarcovjáková von 1983 bis 1985 aufgenommen hat. Der T-Club war ein Ort, an dem die Last des damaligen kommunistischen Regimes abfiel und sich in zwanglosem Spaß auflöste, der oft bis in den Morgen dauerte. Die Serie ist eine starke Botschaft über die Freiheit in der Unfreiheit, die auch heute Gültigkeit hat. Jarcovjáková dokumentiert einfühlsam Stammgäste, verirrte Besucher*innen, sich selbst und das Leben im Club. Die Staatssicherheit war allgegenwärtig und bereit, diejenigen anzugreifen, die ihre Orientierung vor der Gesellschaft verbergen mussten. Die Serie ist eine Botschaft der Hoffnung, der Freude auch in schwierigen Zeiten, in denen es notwendig ist, im Hier und Jetzt zu leben, unabhängig von den Grenzen, die uns auferlegt wurden.